Rumours

En la víspera del año nuevo de 1975, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks ingresaron a la banda después de la salida de Bob Welch en diciembre de 1974.[3] Su llegada transformó la identidad de Fleetwood Mac, ya que la convirtieron en una agrupación de pop rock californiano e indujeron a Christine McVie a escribir temas de soft rock.[4] Al poco tiempo, la alineación conformada por Buckingham (voz y guitarra), Nicks (voz), Christine McVie (voz y teclados), John McVie (bajo) y Mick Fleetwood (batería), publicó su segundo álbum homónimo.[4] Su décimo trabajo de estudio les significó un importante éxito comercial en los Estados Unidos, ya que en 1976 llegó al número uno de la lista Billboard 200 y hasta 2018 había vendido siete millones de copias.[5][6] Hasta principios de 1977, Fleetwood Mac era el álbum más exitoso en el catálogo de Warner Bros. Records.[7] En contraparte, los músicos pasaban por uno de sus peores momentos, por ejemplo John y Christine se divorciaron y dejaron de hablarse, a excepción de cuando trataban temas relacionados con su música.[7][8] Buckingham y Nicks mantenían una inestable relación amorosa que les hacía discutir con frecuencia; solo se daban una tregua cuando trabajaban juntos en alguna canción.[9] Por su parte, Fleetwood también tuvo que enfrentar sus propios problemas personales al descubrir que su mujer Jenny, madre de sus dos hijos, había tenido una aventura con su mejor amigo.[10]

El inesperado éxito de Fleetwood Mac les trajo consigo una imprevista popularidad, fortuna y constantes conciertos.[11] Además, la prensa, sobre todo la amarillista, generó una serie de historias imprecisas sobre la vida privada de sus integrantes, como que Christine estaba hospitalizada por una grave enfermedad, que Buckingham y Nicks eran los padres de la hija de Fleetwood, Lucy, después de ser fotografiados juntos y rumorearon sobre el retorno de los antiguos miembros Peter Green, Danny Kirwan y Jeremy Spencer para una gira de décimo aniversario.[11][12] Sumado al consumo de drogas, alcohol y a la presión por hacer un disco que igualara al antecesor, hubo un fuerte estrés en el seno de la banda.[11] Sin embargo, Fleetwood comentó que realizaron un «tremendo sacrificio emocional» para proseguir con su trabajo en el estudio.[13] Previo a la grabación, Fleetwood y John McVie decidieron prescindir de los servicios de Keith Olsen —productor de Fleetwood Mac (1975)— debido a que no le daba suficiente énfasis a la sección rítmica. A su vez, formaron la compañía Seedy Management para representar los intereses de la banda.[14]

Rumours se grabó en su gran mayoría en el Record Plant de Sausalito, una estructura de madera con pocas ventanas, ubicado en el 2200 Bridgeway.

Las miembros femeninos de Fleetwood Mac se acomodaron en dos casas en la playa de Sausalito, mientras que los hombres residieron en unas instalaciones pertenecientes a Record Plant cerca de los estudios.

A comienzos de 1976, al poco tiempo de terminar la gira de seis meses Fleetwood Mac Tour,[7] Fleetwood Mac trabajó en Florida con unas pistas nuevas en los estudios Criteria de Miami.[15][16] El 26 de febrero el quinteto se reunió con los ingenieros de sonido Ken Caillat y Richard Dashut en el estudio Record Plant de Sausalito, California. Entre los tres coprodujeron el álbum, mientras que Caillat asumió la ingeniería en su mayoría, pero para ello tuvo que pedir un permiso de ausencia de los Wally Heider Studios de Los Ángeles con la premisa de que Fleetwood Mac usara algún día sus instalaciones.[17] Record Plant incluía varias salas pequeñas de grabación ubicadas dentro de un edificio de madera sin ventanas. Aunque los músicos se quejaron del estudio, Fleetwood insistió y no permitió ningún cambio de planes.[18] Christine y Nicks decidieron asentarse en dos apartamentos cerca del puerto de la ciudad, mientras que los varones alojaron en una casa perteneciente al estudio cerca de una colina.[19] Las sesiones las realizaron en una sala de nueve por seis metros que incluía una grabadora de 24 pistas de la marca 3M, una colección de micrófonos de alta gama y una mesa de mezclas API con ecualizadores 550A; estos últimos los utilizaron para controlar las diferentes frecuencias o los timbres de algunas pistas. A pesar de que Caillat estaba impresionado con el equipo, sentía que a la sala le faltaba ambiente debido a sus «muy apagados altavoces» y la excesiva insonorización.[17]

Al inicio de los trabajos en Sausalito el álbum iba a denominarse Yesterday's Gone.[20] Buckingham se hizo cargo de las sesiones para hacer un «álbum de pop»,[21] ya que, a diferencia de Fleetwood y ambos McVie que tenían un pasado ligado al blues rock de improvisación, él entendía mejor «las artimañas de crear un disco» según Dashut.[22] Durante el período de composición, Buckingham y Christine tocaron la guitarra y el piano juntos para crear la estructura base del disco. Christine era la única integrante con formación clásica, pero ambos compartían un sentido musical similar.[23] Durante las jam sessions posteriores, Fleetwood a menudo tocaba su batería fuera de la zona reservada para tal efecto, con el fin de medir las reacciones de Caillat y Dashut al groove de la música.[24] Los altavoces se colocaron alrededor de la batería y de John, quien tocaba el bajo de cara a Fleetwood. Buckingham tocó cerca de la sección rítmica, mientras que los teclados de Christine estuvieron lejos del kit de batería. Caillat y Dashut pasaron unos nueve días experimentando con los micrófonos y los amplificadores antes de decidir la mejor metodología para grabar a la banda completa.[17]

A medida que progresaban las sesiones, las relaciones íntimas de los músicos comenzaron a jugar un efecto negativo, por ejemplo no se juntaban ni socializaban después de su día de trabajo.[25][26] Por entonces, el movimiento hippie aún estaba presente en la cultura de Sausalito y las drogas estaban muy a mano. El presupuesto ilimitado permitió a la banda y a los ingenieros ser indulgentes con ellos mismos;[18][27] noches sin dormir y un uso desmedido de cocaína marcaron en gran medida la producción.[13] Chris Stone, uno de los dueños de Record Plant, indicó en 1997 que Fleetwood Mac llevó «exceso a lo excesivo» adueñándose del estudio para largas y caras sesiones, además afirmó que «los miembros de la banda entraban a grabar a las siete de la tarde, comían un gran banquete, festejaban hasta las dos de la mañana, y después cuando estaban tan destrozados que no podían hacer nada, comenzaban a grabar».[28]

Nicks comentó que Fleetwood Mac creó su mejor música cuando estaba en peor forma,[27] mientras que, según Buckingham, las tensiones entre todos ellos ayudaron al proceso de grabación y llevó a que «el resultado final fuese más que la suma de partes».[26] El trabajo de la pareja se tornó «agridulce» después de su ruptura final, pero Buckingham mantuvo su habilidad para tomar una canción de ella y «convertirla en algo hermoso».[29] Las armonías vocales del dúo y Christine funcionaban bien y se capturaron usando micrófonos de la mejor calidad del momento.[17] El enfoque lírico de Nick permitía que los instrumentos utilizados en sus canciones fuesen más sueltos y más abstractos.[30] Según Dashut, todas las grabaciones capturaron «emoción y sentimiento sin mediador... ni temple».[10] John solía chocar con Buckingham a la hora de componer canciones, aunque ambos admiten que al final conseguían buenos resultados.[31] «Songbird» de Christine, a la que Caillat pensaba que necesitaba el ambiente de una sala de conciertos, se grabó en una sola sesión que duró toda la noche en el Auditorio Zellerbach en Berkeley, California.[32] Pusieron quince micrófonos alrededor de la sala, mientras que Buckingham tocó la guitarra fuera del escenario para mantener el tiempo.[33]

Después de más de dos meses en Sausalito, Fleetwood arregló una minigira de diez días para dar un respiro a la banda y ver la aceptación de sus seguidores. Luego de aquello prosiguieron con la grabación en los estudios Wally Heider de Los Ángeles y Davlen Recording de Hollywood.[16][14] Christine y Nicks no asistieron a la mayoría de estas sesiones y descansaron hasta que las necesitaran para grabar más pistas vocales. El resto de miembros, junto con Caillat y Dashut, se esforzaron en terminar el overdubbing y la mezcla después de que las cintas maestras de Sausalito se dañasen por su reiterado uso durante la grabación; las pistas de bombo y caja sonaban «sin vida».[17] Para terminarla, tuvieron que suspender una gira estadounidense programada para otoño,[7] ya que la fecha de lanzamiento pensada para septiembre tuvo que posponerse.[34] Contrataron a un especialista para rectificar las cintas de Sausalito usando un oscilador de velocidad variable. A través de auriculares reproduciendo las cintas dañadas en el oído izquierdo y el máster de grabación en el derecho, consiguieron convergir sus respectivas velocidades asistido por los tiempos dados por las pistas de la caja y el hi-hat.[17] Fleetwood Mac y los coproductores buscaban un producto final «sin rellenos», en el que cada pista pudiese ser un sencillo en potencia. Después de la etapa de masterización final y de volver a escuchar las canciones las veces necesarias, los miembros de la banda llegaron a la conclusión de que habían creado «algo realmente poderoso».[35]

Buckingham, Christine y Nicks, los principales compositores, trabajaron de forma individual en determinadas canciones y recibieron créditos de composición por separado.[16] Todas las letras de sus canciones tratan sobre relaciones personales, a menudo tumultuosas.[24] Según Christine, el hecho de que los letristas se enfocaran extensamente en las separaciones, solo se hizo visible para la banda a posteriori.[36] Por su parte, su música está enfocada mayormente dentro de los subgéneros soft rock y pop rock.[37][38] Su estilo se construyó usando una mezcla de instrumentación acústica y eléctrica. El trabajo de guitarra de Buckingham y el uso del piano Rhodes de Fender y el órgano Hammond B-3 por parte de Christine están presentes en todas las pistas. A menudo incluye sonidos acentuados de batería e instrumentos de percusión como las congas y maracas.[24]

«Second Hand News»

El álbum abre con la composición de Buckingham, «Second Hand News», que en un principio era una maqueta acústica llamada «Strummer».[24] Con un estilo que evoca al rock celta, el guitarrista la escribió después de escuchar «Jive Talkin'» de Bee Gees.[24] Su letra trata sobre un «amante despreciado», aunque sus «guitarras alegres y brillantes» sugieren un sentimiento de despedida y ocultan cualquier «emoción sensible». Como Fleetwood no pudo dar con el ritmo, Buckingham lo tocó en una silla de oficina para lograr el efecto que quería. De igual manera, mientras John estaba de vacaciones, reescribió la línea de bajo original, haciéndola más simple solo con notas negras. Estas acciones hechas por el guitarrista, consideradas por Caillat como «es como yo digo y si no, no», fueron una especie de antecedente para el futuro álbum Tusk.[33][39]

«Dreams»

Nicks escribió «Dreams» en una sala de los estudios Record Plant al final del pasillo, acondicionada originalmente para Sly Stone. Allí, instalada en una tienda y acompañada de un piano electrónico portátil, le tomó unos diez minutos en crearla y ella misma se sorprendió al haber compuesto algo con un ritmo bailable. Una vez que la presentó a la banda, a nadie le gustó, incluso Christine recordó que: «eran solo tres acordes y una nota en la mano izquierda (...) pensé, esto es realmente aburrido». No obstante, Buckingham la tomó y formó tres secciones con acordes idénticos, pero hizo que cada una sonora diferente. Según Christine, «él creó la impresión de que hay un hilo conductor a través de todo el asunto».[33] Con un bajo «agradablemente relajante» y un patrón de batería simple, «Nicks advierte a Buckingham contra los peligros de pensar que la hierba será más verde sin ella», según Howard Johnson de Classic Rock.[39]

«Never Going Back Again»

«Never Going Back Again» fue una de las últimas canciones que se escribió.[33] Buckingham la compuso después de tener una corta aventura con una mujer de Nueva Inglaterra, cuya letra alude a pensar que la tristeza nunca volverá después de sentirse contento con la vida. Las líneas Been down one time/Been down two times («Derribado una vez, derribado dos veces», en español) hacen referencia a los esfuerzos del letrista de persuadir a la mujer para que volviera a darle una oportunidad.[24] A pesar que solo dura un poco más de dos minutos, dedicaron una gran cantidad de tiempo para grabarla. Esto se debió a que Caillat notó que las cuerdas de la guitarra acústica de Buckingham no sonaban tan brillantes después de veinte minutos, así que sugirió cambiarlas cada cierto tiempo. Caillat afirmó que probablemente los roadies querían matarlo por cambiar las cuerdas tres veces por hora, pero todo era para lograr que sonora bien. No obstante, esta meticulosa táctica no sirvió de nada una vez se dieron cuenta que el guitarrista tocó en el tono equivocado, así que tuvieron que volver a registrarlo, pero no regresaron a utilizar dicho truco. Cabe destacar que inicialmente la llamaron «Brushes», porque la pista original solo incluía a Fleetwood tocando la caja con cepillos (brushes en inglés).[33]

«Don't Stop»

«Don't Stop» es una canción optimista, positiva y edificante,[39] escrita por Christine durante su ruptura con John. Como una especie de alentar a la banda de seguir adelante y mirar hacia el futuro, su letra trata sobre el ayer ya se fue. Según la cantante iba dirigida al bajista, aunque John admitió en 2015 a la revista Mojo que a pesar de haberla interpretado durante años, no tenía idea que trataba en cierto modo sobre él.[33] Buckingham la ayudó a crear los versos porque sus sensibilidades personales coincidían en parte.[24] Su música está inspirada en un baile de triple paso e incluye tanto piano convencional como un piano honky-tonk.[24] Fleetwood lleva el ritmo con un patrón similar a una marcha, mientras que Christine y Buckingham comparten la voz principal otorgándole un «color musical encantador».[39]

«Go Your Own Way»

«Go Your Own Way», con una «letra amarga y autocompasiva» por parte de Buckingham, trata sobre su relación con Nicks.[39] Puntualmente la línea Packing up, shacking up's all you want to do («Empacar, convivir es todo lo que quieres», en español) fue considerada un golpe bajo hacia la cantante. Ella recordó: «Él sabía que no era cierto (...) Fue algo enojado lo que dijo. Cada vez que esas palabras aparecían en el escenario, quería ir y matarlo. Él lo sabía, así que realmente me presionó. Fue como, "Voy a hacer que sufres por dejarme. Y lo hice"».[33] La batería posee un patrón four-on-the-floor inspirado en el ritmo de ese instrumento en «Street Fighting Man» de The Rolling Stones.[24] Esta interpretación asombró a Jeff Porcaro, batería de Toto, quien le pidió a Fleetwood que le explicara como lo logró. Él no pudo comentárselo con palabras y, aunque Porcaro no le creyó, una vez que alargaron la conversación él se dio cuenta que no estaba bromeando.[33] Según Howard Johnson de Classic Rock, esta era una canción perfecta para las radios estadounidenses.[39]

«Songbird»

«Songbird» es el único tema grabado en el Auditorio Zellerbach, en donde Christine canta unas letras introspectivas sobre «nadie y todos» en forma de «pequeño rezo»,[40] Su inspiración fue espontánea y la escribió en media hora aproximadamente. Despertó a mitad de la noche con toda la canción en su mente, incluyendo los acordes, la letra y la melodía, y tuvo que mantenerse despierta para no olvidarla, porque en su habitación no tenía en donde registrarla.[33] Con un ambiente relajado y delicado, la cantante tocó un piano Steinway de nueve pies cuando la grabaron.[24]

«The Chain»

Para «The Chain» usaron la progresión de acordes de una canción de Christine llamada «Keep Me There» y Buckingham reutilizó la introducción de un tema que había escrito con Nicks en 1973, denominada «Lola (My Love)». Nicks escribió nuevos versos, mientras que Fleetwood y John crearon la sección final. Siendo una combinación de varias partes independientes, cortaron con cuchillas de afeitar las cintas para poder unirlas.[33] Con una «atmósfera vocal espeluznante» y una resolución de rock setentero, la manera como la unieron es «fluida y convincente».[39] Con una letra que trata sobre los lazos supuestamente inquebrantables, tiene sentido más aún cuando es la única canción del álbum en donde los cinco músicos trabajaron en su composición.[33]

«You Make Loving Fun»

«You Make Loving Fun» es sobre el novio de Christine, el director de iluminación de la banda. Su melodía es un pop ligero, cuyo ritmo lo lleva el clavinet. Este estaba en la sala de Sly Stone y para dar más énfasis al «clavismo» le añadieron un pedal wah-wah. Como Christine no podía tocar el clavinet y a la vez interpretar el wah-wah, Fleetwood tuvo que arrodillarse para tocar el pedal, ya que al ser batería sabía como hacerlo bien. Además, mientras se grababan los coros, supuestamente Buckingham y Nicks tuvieron una fuerte discusión y no solo se daban un respiro al momento de registrar la cinta, luego seguían una vez que los micrófonos estaban apagados.[33][39]

«I Don't Want to Know»

«I Don't Want to Know» es un corte alegre de country rock sobre la aceptación de los caprichos del amor.[39] Posee influencias de Buddy Holly e incluye una guitarra de doce cuerdas.[24] Escrita por Nicks antes de ingresar a Fleetwood Mac, la banda la prefirió por sobre «Silver Springs», ya que consideró a esta última como demasiado larga. Esto generó la molestia de la cantante, quien insultó al resto y les dijo que no la cantaría. Ella recordó más tarde que le mencionaron que se fuera a caminar para relajarse o bien cantar el tema o solo tendría dos composiciones suyas en el disco; al final la cantó a dueto con Buckingham. Por su parte, «Silver Springs» la incluyeron como el lado B de «Go Your Own Way».[33]

«Oh Daddy»

«Oh Daddy» la escribió Christine refiriéndose a Fleetwood, quien era el único miembro que tenía hijos y la banda lo veía como una figura paterna. Con letras ligeramente sarcásticas, se enfocan en la dirección que tomaba el batería para con la agrupación, que siempre acababa bien. Nicks aportó las líneas finales And I can't walk away from you, baby/If I tried («Y no puedo alejarme de ti, cariño/aunque lo intentase», en español).[24] De acuerdo con Johnson, Christine pone su estilo inglés dentro del sonido mayormente estadounidense del álbum.[39]

«Gold Dust Woman»

La última composición de Nicks, y la que termina el disco, es «Gold Dust Woman», la que está inspirada en su estilo de vida como estrella de rock.[41] Howard Johnson de Classic Rock la definió como una «relación simbiótica entre las relaciones en mal estado y la cocaína».[39] Su estilo se asemeja a un free jazz e incluye un clavecín, una guitarra Fender Stratocaster y un dobro Para darle más intensidad Fleetwood rompió láminas de vidrio con un martillo, la que editaron y añadieron más tarde.[33]

Después de que Warner Bros. confirmara en diciembre los detalles del álbum a la prensa,[42] Rumours salió a la venta el 4 de febrero de 1977 en los Estados Unidos y una semana después en el Reino Unido.[43][44] John McVie sugirió el título debido a que sentía que estaban escribiendo «publicaciones y diarios» los unos sobre los otros a través de la música.[36] El agresivo sistema de marketing de la compañía con el disco Fleetwood Mac de 1975, donde se vincularon con docenas de emisoras de radio de FM y AM a lo largo y ancho de los Estados Unidos, sirvió también para la promoción de Rumours.[45] En aquellos tiempos, el pedido inicial de 800 000 copias era el más grande en la historia de Warner Bros.[46]

Por otro lado, su portada muestra a Nicks vestida con túnicas negras —personificando a su álter ego «Rhiannon»— mientras sostiene la mano de Fleetwood, quien está apoyando su pie sobre un taburete y entre sus piernas caen dos bolas de madera. A su vez, en la contraportada había un montaje de retratos de los miembros de la banda.[24] Todas las fotografías las tomó Herbert Worthington, quien además proporcionó el concepto, la inspiración como también el reposapiés. A pesar de que el significado de la portada es confusa y extraña, Joe Taysom de Far Out Magazine afirma esta «imagen confusa se destacó en los estantes a una milla de distancia, un factor que hizo que quisieras presionar reproducir para obtener más información».[47]

En otoño de 1976, mientras aun estaba en período de grabación, la banda mostró varias de sus canciones en un concierto en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles.[7] Después de ensayar en los estudios SIR de mencionada ciudad,[43] el 24 de febrero de 1977 en Uniondale (Estados Unidos) comenzó la gira de conciertos Rumours Tour.[48] Nicks ha comentado que, después de tocar principalmente canciones del álbum a lo largo de aquella gira, encontraron poco entusiasmo por parte del público debido a que no estaba acostumbrado al nuevo material.[49] En marzo hicieron un único concierto benéfico para el senador de los Estados Unidos Birch Bayh en Indiana, seguido de una corta gira europea que incluía conciertos en el Reino Unido, los Países Bajos, Francia, Alemania y Suecia a lo largo de abril.[7][50] Luego de varias presentaciones por los Estados Unidos y Canadá entre mayo y octubre, en septiembre dieron siete conciertos en Australia y una en Nueva Zelanda, mientras que en diciembre realizaron cuatro en Japón y uno en Hawái. Luego de un descanso durante el primer semestre de 1978, en julio y agosto acontencieron más presentaciones por los Estados Unidos. El último concierto de la gira se celebró el 30 de agosto de 1978 en el Tiger Stadium de Baton Rouge.[48] Nigel Williams de la revista Uncut denominó los conciertos de Fleetwood Mac como «la soap opera más grande del rock».[51]

Durante 1977, Warner Bros. publicó cuatro de sus canciones como sencillos para promocionarlo: «Go Your Own Way», «Don't Stop», «Dreams» y «You Make Loving Fun». Los cuatro lograron posicionarse entre los diez más vendidos en la lista estadounidense Billboard Hot 100, de los cuales «Dreams» llegó hasta el primer lugar.[52] Por su parte, también ingresaron en los recuentos musicales de varios países europeos, como en los conteos de Australia y Nueva Zelanda.[53][54][55][56] A diferencia de lo que ocurrió en el mercado estadounidense, en el Reino Unido los cuatro sencillos no alcanzaron a entrar entre los veinte más vendidos; el más exitoso fue «Dreams», que únicamente llegó hasta el puesto 24 en el UK Singles Chart.[57]

Mick Fleetwood dijo de Rumours que «es el disco más importante que jamás hayamos creado», porque gracias a su éxito la banda pudo seguir grabando otros álbumes durante años.[89] El periodista de cultura popular Chuck Klosterman achaca la cantidad de ventas a sus «realmente agradables canciones», aunque sugiere que no proporcionan intrínsicamente «ninguna justificación de grandeza».[90] The Guardian reunió datos en 1997 de diversos críticos, artistas y disc jockeys radiofónicos que ubicaron al álbum en el puesto número 78 de su lista de los 100 mejores discos de la historia.[91] En 1998, Fleetwood produjo y publicó Legacy: A Tribute to Fleetwood Mac's Rumours, que contiene todas las canciones de Rumours versionada por distintos artistas. Entre otros participaron las bandas de rock alternativo Tonic, Matchbox 20 y Goo Goo Dolls, los grupos de rock celta The Corrs y The Cranberries y los cantautores Elton John, Duncan Sheik y Jewel.[92] Otras bandas y artistas que han reconocido haber sido infuenciadas por Rumours incluyen a la cantante de pop barroco Tori Amos,[93] la banda de hard rock Saliva,[94] y la banda de indie rock Death Cab for Cutie.[95]

En 1998, la revista Q colocó a Rumours en el tercer puesto— detrás de London Calling de The Clash y el disco de Pink Floyd The Dark Side of the Moon— de su lista de los 50 mejores álbumes de los años 70.[96] En 1999, Vibe lo ubicó entre los 100 álbumes esenciales del siglo xx.[97] En 2003, VH1 lo puso en el puesto número 16 de su lista de los 100 mejores álbumes de la historia,[90] mientras que Slant lo incluyó en su lista de los 50 álbumes esenciales del pop.[98] Ese mismo año, USA Today colocó a Rumours en la posición número 23 de su lista de los 40 mejores discos de la historia,[99] mientras que Rolling Stone lo colocó en el puesto número 25 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, el disco de Fleetwood Mac posicionado más alto.[100] En 2006, Time lo añadió en su lista de los 100 mejores discos de toda la historia,[101] mientras que la revista Mojo lo incluyó en su lista (sin especificar puesto) de los 70 grandes álbumes de la década de los años 70.[102] También está incluido en las dos ediciones de The Guardian de «los 1000 discos que escuchar antes de morir» y en su libro 1001 álbumes que debe de escuchar antes de morir.[103][104]

En el episodio «Rumours» de la segunda temporada de la serie televisiva musical Glee, aparecen seis canciones del disco: «Dreams», «Never Going Back Again», «Songbird», «I Don't Want to Know», «Go Your Own Way» y «Don't Stop».[105] En septiembre del 2020, la revista Rolling Stones colocó al álbum en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, en el puesto #7.

• La edición en casete cambia «Second Hand News» por «I Don't Want to Know», alterando así el orden original del álbum.
• En la versión DVD-Audio de 2001 aparece «Silver Springs» (4:48), la cara B de «Go Your Own Way» compuesta por Nicks, en lugar de «Songbird», listada como pista 12. Este lanzamiento incluye pequeñas entrevistas de audio con los miembros de la banda sobre la grabación de cada canción.
• En la versión remasterizada de 2004 aparece «Silver Springs» entre medias de «Songbird» y «The Chain». En el libreto aparecen fotografía inéditas y notas adicionales.

El personal que trabajó en Rumours es:[16][24]

Premios Grammy de 1977

El 3 de mayo de 2011, Fox Network emitió un episodio de Glee titulado «Rumours» que versionó seis de las canciones del álbum de Fleetwood Mac de 1977.[113] El episodio reavivó el interés en la banda en general y ese álbum en particular, siendo tanto así que Rumours volvió a entrar en las listas del Billboard 200 en el puesto número doce, la misma semana que el nuevo álbum en solitario de Stevie Nicks In Your Dreams debutó en el número seis. Nicks comentó sobre su nuevo disco que era como su «pequeño Rumours propio».[114] Ambos álbumes vendieron aproximadamente 30 000 y 52 000 unidades, respectivamente. El 91% de las ventas de Rumours fueron descargas digitales. El incremento del 1951% en las ventas significó el aumento más brusco de ventas de un álbum previamente publicado desde la reedición del Exile on Main St. de The Rolling Stones que entró directamente al puesto número dos el 5 de junio de 2010.[115]

• Comentario en vídeo del álbum 'Rumours' en el video blog diversión con vinilos.
• Letras de Rumours' en Rhapsody.
• Promoción original de Rumours en Billboard vía Google Libros
• Esta obra contiene una traducción total derivada de «Rumours» de Wikipedia en inglés, publicada por sus editores bajo la Licencia de documentación libre de GNU y la Licencia Creative Commons Atribución-CompartirIgual 3.0 Unported.