Arte del siglo XX

En líneas generales se producen principalmente dos tipos de ruptura:

• Con la tonalidad y armonía occidentales:

Se abandona la tonalidad como estructura organizativa del discurso, en búsqueda de libertad absoluta para componer. Luego se buscan nuevas formas de organizar el lenguaje musical (como el dodecafonismo) porque esto había generado un caos.

• Con el sonido tradicional:

En todo aspecto se buscan nuevos sonidos, desde la experimentación y uso no convencional de los instrumentos existentes, a la creación de nuevos instrumentos acústicos y luego electroacústicos y electrónicos, hasta llegar incluso a generar música desde consolas y aparatos. El silencio pasa a ser música. También se comenzó a hacer música con objetos y otros elementos de la vida cotidiana, ruidos de fábricas, autos, etc. (Futurismo).

Las principales innovaciones fueron:

• Ruptura con la perspectiva en la pintura:

Se abandona esta práctica que reinaba desde el Renacimiento, así como también la intención de realismo.

La arquitectura moderna surge a partir de los cambios sociales y culturales producidos por la revolución industrial. Se comienzan a utilizar nuevos materiales en las construcciones y edificios; hierro, hormigón y acero. Empieza un proceso de construcción en altura, desde los edificios industriales hasta llegar a rascacielos. Otro aspecto de la arquitectura en el siglo XX es el abandono de ornamentos en pos de una arquitectura funcional. Algunos de los arquitectos más conocidos fueron Le Corbusier y Walter Gropius (director de la Bauhaus)

La fotografía es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un material sensible a la luz. Actualmente se utilizan cámaras digitales, por lo que las imágenes son guardadas en la memoria de la misma. Si bien la fotografía se inventó en el siglo XIX, su auge fue en el siglo XX, ya que no siempre fue considerada un arte. Lo que posibilitó el debido reconocimiento de la fotografía fue el gran interés por él [naturalismo], tendencia que buscaba imitar la realidad con un alto grado de perfección.

El diseño industrial (considerado como el desarrollo de objetos funcionales para el uso humano) existe desde que el hombre creó sus primeros utensilios. Pero el verdadero avance en este campo se dio con la Revolución industrial a fines del siglo XIX que originó la producción en serie.

Aunque no sea considerado un arte, con la creación la primera escuela de diseño industrial en 1919, la Bauhaus, esta disciplina adquirió un verdadero campo de conocimiento y grandes capacidades expresivas y estéticas. Esta escuela tuvo una función importantísima al incentivar la interrelación de las artes, el diseño y la arquitectura. El siglo XX aportó al diseño industrial nuevos materiales, procesos, técnicas e incluso fuentes de inspiración estéticas y vanguardistas.

El cine es el arte del siglo XX por excelencia.[1] La creación de este nuevo arte fue una especie de revolución social y creativa que posibilitó un universo de ideas nuevas y a su vez la difusión masiva de estas. Su éxito fue inmediato y poco a poco se agregó sonido a las películas y luego color. Las capacidades expresivas del séptimo arte parecen ilimitadas, ya que es una fusión entre, fotografía, escenografía, vestuario, música, actuación, iluminación, literatura etcétera.

Como todo el mudo sabe, mi nombre es Dalí, Salvador Dalí. Nací el 11 de mayo de 1904 en Gerona, España. Con solo 12 años empecé a incursionar en el mundo del arte, principalmente en la pintura. Descubrí el impresionismo, gracias a la familia Pichot y a los 18 años me trasladé a Madrid para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

En 1927 viajé a París donde conocí a quién idolatré a lo largo de toda mi vida, Pablo Picasso. Dos años más tarde, me enamoré perdidamente de una inmigrante rusa.

En 1931 pinté uno de mis cuadros más famosos: “la persistencia de la memoria” inspirado en trozos de queso Cambembert derritiéndose al sol. En 1941 me trasladé a Estados Unidos con Gala, el amor de mi vida y en 1949 regresamos a Cataluña.

Estos años probablemente sean los últimos de mi vida, y me estoy interesando principalmente por la ciencia, la religión y otras actividades creativas, ya que en el siglo XIX y XX la sociedad ha experimentado grandes desarrollos técnico y científicos. Obviamente aparte de estos desarrollos, el arte también evolucionó de una manera impresionante.

A los diferentes movimientos artísticos que han intentado crear un nuevo arte, se les conoce como vanguardias artísticas. La mayoría de las vanguardias se desarrollan hasta mediados del siglo XX: El Fauvismo, expresionismo, futurismo, dadaísmo, abstracción, surrealismo, neoplasticismo, hiperrealismo, Pop Art, y cubismo.

Comenzaré explicando el Fauvismo. Este estilo nace en París en 1905. El Fauvismo se caracteriza por la simpleza de las formas y el uso de colores intensos para crear volumen y perspectiva. Los temas que se representan son retratos y paisajes. Unos ejemplos de este estilo en el que se puede apreciar la simpleza de colores del que caracteriza son los siguientes, todos ellos del artista Henri Matisse.

Por otro lado, aparece el Expresionismo, un movimiento pictórico centrado en la expresión de los sentimientos y las emociones. Dejan de lado la representación objetiva de la realidad. El uso de la línea curva y de colores llamativos permite a los artistas representar su angustia y dramatismo. Destaca Edvard Munch con el conocidísimo cuadro “El Grito”, que representa la viva imagen de la angustia, o la Naturaleza muerta con máscaras de Emil Nolde, una gran obra del exprosionismo Alemán.

El Futurismo es un movimiento cultural que se inició en Italia en 1909. Este estilo surgió en el campo de la literatura, pero, como la mayoría de las vanguardias, enseguida se extendió a todos los ámbitos artísticos. Esta vanguardia pretende defender la modernidad y oponerse al estilo clásico. En sus obras siempre aparecen signos de industrialización (máquinas, movimiento, velocidad...) Las características de ésta vanguardia son las siguientes: ● Oposición a las técnicas clásicas de la pinturas. ● Se extraen los temas de la cultura urbana. ● Además, se representan secuencias momentáneas y fenómenos que ocurren al mismo tiempo. ● Por último resaltan la originalidad y abogan por la confianza en el futuro.

El autor más destacado es Umberto Boccioni y sus obras más importantes son “Dinamismo de un ciclista” y “Dinamismo de un futbolista”, sin olvidar el "Dinamismo de del automovil" por Luigi Russolo.

La abstracción surge en el siglo XX al comenzar una nueva tendencia en la que se exploran nuevas formas. La pintura abstracta es aquella que prescinde por completo del objeto y de la figura real y el cuadro se compone mediante la combinación de líneas y colores. Además busca una renovación absoluta de la pintura. Normalmente los títulos de las pinturas suelen ser explicativos y ayudan a entender el mensaje que pretende transmitir el cuadro. En este estilo destaca Vasili Kandinsky con obras como “Composición ocho” o “Rojo, Azul y Amarillo”.

El surrealismo es un movimiento artístico y literario que nace en 1924 en París. Caracterizado por intentar plasmar por medio de formas abstractas o figuras simbólicas de la realidad más profunda del ser humano, es decir, quiere representar los sueños, el mundo del subconsciente... Además, la técnica del collage es muy utilizada en los cuadros de este estilo. Aparte de mí, también destaca mi compañero Miró. Dos cuadros que, a mi parecer representan muy bien este estilo son: “El carnaval de Arlequín” (Miró) y “El Gran Masturbador”, obra mía. Aunque ambos trabajamos en la misma vanguardia, nuestros estilos son muy diferentes: Mi estilo es único y personal, muy realista y detallado pero al mismo tiempo muy expresivo, en cambio, Miró, tiene un estilo pictórico mucho más abstracto, jugando con figuras, tenía mucha influencia dadaísmo, el cubísmo y el expresionismo.

Ya que menciono una de mis obras con mayor carácter sexual, me veo obligado a poneros en contexto. Mis sentimientos son algo difícil de explicar, y más complicado es cuando hay miles de rumores sobre mí. Respecto a mi sexualidad, es verdad que siento cierta aversión hacia el género femenino, exceptuando a mi amor de adolescencia y a mi querida Gala, a quién adoro y admiro profundamente. Muchos me tachan de provocador, onanista, voyeur o bisexual, pero prefiero no confirmar ni desmentir estos mitos ya que lo importante es que hablen de ti, aunque sea bien.Continuemos con el neoplasticismo. Este movimiento se fundó en Holanda en 1917, basada en la idea de que lo esencial de un objeto se puede representar del modo más simple, utilizando solo líneas horizontales y verticales y colores primarios y neutros. Trabajan solo con formas geométricas.

En este estilo destaca Piet Mondrian, con cuadros como “Composición, con Rojo, Amarillo y Azul” o “Broadway Boogie-Woogie”.

A finales de la década de 1960 se trabajó el Hiperrealismo, un grupo de artistas norteamericanos retomaron la pintura realista como respuesta al distanciamiento producido por las vanguardias. Para ello regresaron al realismo con la intención de reproducir la realidad con mayor fidelidad y objetividad que la fotografía. De esta manera surgió un nuevo estilo,

el Hiperrealismo que pretende realizar cuadros tan realistas como si fuera una fotografía. Uno de los mejores exponentes de este estilo es el español Antonio López.

El Pop Art fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte. En muchas ocasiones, estos cuadros me recuerdan a las viñetas de un cómic. Destaca el autor Andy Warhol: con obras como “Lata de Soup Campbell”, “Retrato de Marilyn Monroe”.El cubismo surgió a comienzos del siglo XX, cuando Picasso realizó la primera obra cubista, “Las señoritas de Avignon”.

Las características principales de éste estilo son las siguientes: ● Rompe con la pintura tradicional, como la mayoría de las vanguardias. ● No le da importancia a la perspectiva. ● Descompone los objetos y los representa mediante, formas geométricas. ● Los colores más utilizados son los grises, verdes, marrones y ocres.

Aprovechando que os he hablado del cubismo hablaré de forma más detallada sobre el ya mencionado Picasso. Este gran artista evolucionó mucho a lo largo de su vida, y se podría decir que su carrera de pintor se divide en las siguientes etapas:

La etapa azul: Este período oscila entre 1901 y 1904. En esta época Picasso sufre la pérdida un gran amigo suyo, el suicidio de Carles Casagemas. Éste trágico suceso fue el motivo más importante por el que pintaba.

En esta época sus obras destacan por utilizar colores fríos, sobre todo el azul, retratar personas alargadas y con la cabeza agachada. Sus protagonistas solían ser personas de clases sociales marginales como mendigos, enfermos, ciegos… Un recurso que usaba mucho eran los fondos desnudos y vacíos.

La etapa rosa comienza cuando Picasso decide trasladarse al barrio de Montmartre, en París, en 1905. La ciudad le inspiró a renovar su estilo, al estar en contacto con saltimbanquis, acróbatas, payasos, comediantes, poetas, escritores… De esta manera comenzaba la etapa rosa (1905-1906). En esta etapa, los temas principales son escenas de circo, como se puede apreciar, sus cuadros adoptaron un tono pastel, con colores más cálidos, y los protagonistas pasaron a ser esos personajes cómicos. Sin embargo seguía existiendo cierto trasfondo amargo en sus rostros.

3 años después, en 1907, llegó la etapa negra, también conocida como período de transición hacia el cubismo o protocubismo. Descubrió la escultura ibérica, y además comenzó a interesarle el arte africano primitivo. La paleta de colores que usó fueron ocres y rojos y los rostros se asemejan a máscaras africanas. También comenzó a esquematizar las figuras y darles formas geométricas, lo que dará lugar a su siguiente etapa.

Después llegaría la época cubista. En ella sus cuadros adquieren las características del estilo cubista que ya mencioné antes. Obligatoriamente tengo que mencionar su obra más famosa: “Guernica”. Un cuadro que representa muy bien el miedo y la angustia de la ciudad de Guernica tras su bombardeo durante la Guerra Civil Española. Este periodo duró 10 años, desde 1909 al 1919.

Y por último llegamos a la época algo menos conocida, la etapa clásica. En ella sus cuadros adquieren unos rasgos más suaves, propios del neoclasicismo. Un ejemplo de este estilo es “Retrato de Olga en un sofá” o “La siesta”.